如何更好的學習繪畫？工程師的學畫經驗【初心者繪畫之路#2】

身為一個非科班出身的自學畫畫者，同時也有在教人如何自學畫畫，我非常理解自學繪畫的人會遇到的瓶頸與困境。

先說說我的背景。跟許多人一樣，我從3歲就開始很喜歡畫畫，常常整天拿著庫洛魔法使的卡片臨摹。直到上了高中，選了理組，一路到大學、研究所畢業，都與數學和電腦程式為伍，是一個理工女。

10年的理科思維養成，讓我在學畫畫的過程中，時常感到困惑。而這些問題，我也幾乎很難從美術科班出身的老師身上得到解答。

經典的3個學畫挫折

前陣子，和我的學生聊天，學生說：「在實體畫室上課，永遠聽不懂老師為什麼要這樣畫？」

似是而非的感性形容詞

我完全能理解學生的心境，因為我本身也一直都在持續進修繪畫藝術相關的課程，當實體課的學生。所以許多問題我感同身受。

每次畫完畫，我一定會找老師給建議，這也是學習最重要的環節。大部分我遇到的美術老師，常常會用一些感受性的抽象詞彙來形容畫作，像是﹔你的畫面很「髒」、很「亂」、很「飄」、悶、焦、缺乏統調，你這邊應該畫「虛」一點、那邊「實」一點。但具體來說，到底是怎樣髒？怎樣亂？我的靜物明明就都好好的畫在桌上呀，哪裡飄！？ 統調又是什麼？素描也才五六種灰色，顏色要怎麼不統一？這些抽象而感性的詞彙背後，究竟是怎麼個亂法，老師也描述不出來，於是動手親自示範給我看。改完我的畫之後，我得到的只有一張漂亮的完成圖，早就忘記自己剛剛到底畫什麼醜樣了。自然也不記得，為何要這樣改的「邏輯」。

當然，這只是我以前個人的學習經驗，不代表所有美術老師都這樣。我也曾經遇過描述具體、邏輯清晰、理論也很扎實的美術老師（但是不多）。

尤其是，我後來發現，這不是我個人的問題。許多學畫畫的朋友，也常常對於老師的評語理解不能。「你這邊可以再收一點、那邊再放掉一點，這裡畫硬一點、那裡畫軟一點」…就是幾個白色的石膏體，到底要收什麼放什麼。石膏像是硬的，是要怎麼畫軟一點？

老師們都是受了正統師範體系出來的美術老師，畫功自然是無可挑剃、但卻教的沒法讓剛入門的學生「理解」，這也許是長期以來台灣學院美術體系訓練的問題。我曾經看過一個說法，台灣美術教育是源於中國的美術教育體系，而中國那套系統又是從俄羅斯美院搬來的，有很多理論可能在翻譯上說不清楚，最後只好用「感覺」來形容。久而久之，老師在講解畫面安排時，就會習慣用「髒」、「悶」這種感受性形容詞來解釋。 不過這其實對於初級學畫者來說是非常抽象的概念。

不理解繪畫原理和邏輯

另外，實體課老師在示範時，因為需要留時間給同學親自動手畫畫，並沒辦法有時間深入解釋「為什麼要這樣畫」的背後原理，就直接跟你說：「光從這邊來，所以我們塗黃色。這裡是陰影，塗藍紫色…」

為什麼面光是黃色？我把光塗成藍色難道不行？陰影的地方，塗紅色難道不行？

當然可以！

其實這些概念都是源自於光影及色彩的邏輯。色彩的概念與光影概念息息相關，光源方向、顏色、周遭環境、次光源等，全部都會影響到你在一個物體上要塗什麼樣的色彩。等於是你至少需要對光學物理有最基礎的認識，才可以理解這些「為什麼」。而這多半不是實體畫室會教到的內容。

再舉一個例子，我記得我學畫基礎石膏素描的時候，老師和我說：「投影形狀跑掉了，畫面髒掉囉」。好，畫面髒掉這個問題已無解，所以我就問老師：「那投影範圍具體畫到哪？」 老師就直接畫一條線，說：「這裡再切下來一點啊」，最後再丟出很經典的一句話：「仔細觀察！」天啊，我已經觀察到眼睛快脫窗了，什麼都沒「觀察」到。好歹也告訴我「為什麼」是畫到這個地方為止，而不是那個地方？為什麼是拉這一條角度的直線下來，別的角度難道就不行嗎？（理科崩潰）

一方面，可能是因為時間不夠讓老師去從理論帶出「為什麼畫」。另一方面，也有可能是美術系專攻並不在「繪畫科學原理」，所以老師們多半是憑著長年以來臨摹照片的經驗累積，傳授他的「經驗繪畫法」。

金魚腦，總是不記得老師畫了什麼

好，接下來這個問題就不能推給老師（笑）這純粹是我本人的大腦記憶體不夠。

在實體課時，常常看老師快速瀟灑的示範完，回到自己的位子上，準備開始作畫時，腦袋一片空白，只能對著畫紙發呆，完全想不出老師剛剛都教了什麼、示範了哪些步驟。導致我在實體教室學畫時，總是覺得不太有把握，深怕老師剛剛講了什麼超重要的觀念，被我的金魚腦給遺漏掉。

另一個問題，是改畫。

回想起我自己以前學習時的經驗，看老師如何修改我的畫面，是我進步最多的時候。因為當你長時間專注在自己的畫面中，早就造成審美疲勞了，或因自己長期養成的作畫習慣和風格導致盲點，所以需要另一個審美和繪畫技巧都在你之上的人，用他對你的畫的第一印象，提出他的觀點，也就是俗稱的「改畫」。

不過實體課改畫一直以來都有個問題。看老師改圖，總是顏色調一調、紙上畫一畫，咻咻就改完了，如果我不小心恍神，就會錯過老師改圖的過程。而老師改完後，我只得到一張很漂亮的成品，但我早就忘記當初自己畫成怎麼樣。
只剩下隱約的記憶，懞懞懂懂，回家後立刻忘光光，自然也沒什麼自我檢討的機會，非常可惜。

我也曾經放棄過畫畫

上述三點過去我學畫的經驗，造成我很大的困擾：

1. 不知道前進的目標
2. 只會照經驗公式畫，而不理為什麼要這樣畫
3. 沒有練習的具體修改方向

這樣的學畫方式，讓我看不到自己身在何方，看著大師們的畫作，不知還要多久才能追上他們的背影，真的非常挫折。

於是，年少的我，也許因為閱歷和理解能力不足，尚無法理解這些常用在繪畫領域中的感受性詞彙。不知道除了描繪能力外，還需要學習「繪畫原理」，便一概歸咎於自己「沒有繪畫天分」，轉而踏入理工的領域。

繪畫是一門科學

這一離開就是十年。

直到就讀理工研究所的我，因排解壓力而重拾畫筆，重新用不同的角度去學習繪畫，翻看國外的繪畫書、工業設計、電腦動畫製作的影片及書籍，甚至是修了資工系的電腦圖學和影像處理，我心中許多疑問才豁然開朗。尤其是我在德國時修了一門資工系的課，叫做Game Theory（遊戲原理），任務就是利用程式語言寫出三維物體的碰撞、水流動的樣子，當然也要替物體打光。

因為這門課，我打開了全新的視角。我開始從科學角度思考，為什麼投影的形狀要那樣畫？為什麼明暗交界帶要畫比較深？為什麼畫陰影都要加一點藍色？

隨著思考次數變多，我逐漸發現一件事——繪畫是科學。

藝術是哲學，但「繪畫方法」是一門不折不扣的「科學」。科學強調預測結果的具體性，而繪畫原理——從握筆畫線的方法、型準方法、透視法、構成、光影原理、到色彩，無一不是有科學原理在背後支撐著的。每一個我以前在繪畫中遇到的疑問，都可以在物理、數學、化學中找到解答。

知道這件事情後，讓我如釋重負，因為我再也不需要覺得自己是因為「繪畫天份不夠」、「感受力不足」、「悟性不夠」，所以才畫不好、有「匠氣」——我相信這也是很多學畫者的心魔。

所謂的「匠氣」，不過就是不夠理解繪畫原理，而將技巧凌駕於畫面之上所畫出來的畫。

如何更好的學習繪畫

於是，我開始將自己的學畫經驗分享出去，幫助更多跟我有一樣對畫畫感到困惑的人。我認為：學習繪畫，除了提升感受力之外，更重要的是去學習大量的知識和技術，並且帶有目的性的練習。這些都是畫家的表達工具，而我們要學會如何運用這些工具，才更能在畫裡暢所欲言，表達我們想表達的想法和感受。

首先，基本的透視、光影、色彩理論，都會涉及到許多科學原理，我們需要對物理學知識有一定的理解，才能使用這些原理並將它們應用於自己的畫作中，讓作品更有說服力。

此外，我們也必須學習繪畫材料學，去了解不同材料和媒介的特性，為什麼多次混色後會暗淡？哪些顏料是最佳調色組合？應該如何選擇合適的水彩顏料、水彩紙張，和水彩筆？並掌握各種繪畫技巧，如運筆方式、掌控水分的技巧等等。

最後，我們也需要對「表達美」的科學方法進行深入的研究和實踐。平常就要去做實驗去觀察你覺得美的東西，為什麼美？是因為韻律、比例、色彩、造型、對比，構成、主題，還是什麼因素，使得畫面讓你感到愉悅，觸動你心？

所以，一幅畫畫得賞心悅目、觸動觀賞者的內心，背後是有很多原因的，如果把他簡單歸咎於「這幅畫有靈魂」這種虛無飄渺的感性形容，而刻意去忽略其背後的科學原理，那不免有點可惜了。

所以，我認為要畫好畫的第一步，就是先刻意屏除那些不確定性太高的「感受性」詞彙，而去扎扎實實的、腳踏實地的學好這些繪畫科學邏輯。先搜集到這些技能和裝備，等裝備到身體上了，再談如何運用它來打怪。

對畫面美感的自我分析

一位好的畫家，就像一位魔法師，他巧妙的安排畫作表層的「畫面元素」，來傳遞他的「想法和情感」，讓觀賞者在看到這幅作品時，也能感受到同樣的感受，這就叫做「共感」。而我們繪畫課程裡在教的，就是把這些「不可言喻的共感」，一步一步抽絲剝繭，利用科學與邏輯回推回表層，找出是哪些畫面元素導致哪些感受結果。

我們不直接談「難以量化」的「感覺」、「氣氛」，而是盡量改用「可量化的、具有標準的詞彙」來教學。

透過和學生分析某個畫面元素如何更動，會如何影響到抽象的「畫面氣氛」，而這些「抽象的氣氛」又會帶給觀眾怎樣的「情緒感受」。這樣的流程，可以讓原本虛無飄渺、感性的、無法形容的「感受」和「氣氛」，轉化為具體、可量化、可調整的實際指示和操作步驟，讓學生更能了解如何往更好的方向去處理畫面。

尤其是在改畫時，這點特別重要。

檢討畫作讓你進步得更快

尤記得學生時期，每次段考或大考完，不論是數學、物理、國文或英文或隨便哪一科的老師，都一定會至少用一堂課，在黑板上超努力的講解考卷上學生答錯的題目，也就是所謂的考卷訂正或檢討，通盤檢討完，這個階段的學習目標才算畫下句點。

每一張你畫出來的作品，其實都像是一場考試，如果你只是考完就把考卷放在旁邊，你得到的只會是沒有意義的分數，分數只說明了你對這個單元的學習狀態，卻沒告訴你缺乏的是什麼，有哪裡沒背到？哪裡還沒搞懂？畫畫也是這樣，如果你只是埋頭不斷的畫，卻沒有去檢討你的畫作，你所得到的只是一個又一個沒有意義的分數，卻不知從何進步。我記得每次聽老師講解完我錯的題目，我都會自信爆棚的覺得：下次我一定考一百！！

這樣有看出檢討對學習的意義嗎？分數只能說明你當下的學習狀態，但檢討能帶給你持續學習的動力和自信！

而很多人都容易忽略，在學畫過程中非常重要的一環，就是「檢討畫作」。

什麼是檢討畫作呢？我認為分成兩個方式：看老師改畫與自己改畫，但這兩個方式最好能合併進行。

透過他人的改畫，使我能在極短時間內快速吸取大師養分的方法。仔細觀察別人改畫的邏輯、和經營畫面的技巧，去思考「為什麼這樣改」，長而久之能夠漸漸提升自己的美感，畢竟缺乏美感及審美的概念，自然難畫出好看的作品。在實體畫室的好處是，可以從任意角度觀看老師示範改畫的過程，但光是只有「用眼睛看」老師示範改畫其實仍會有一些小缺點。

第一，改畫時，因為班上不只我一位學生，所以我能真正分配到被老師改畫的時間非常有限，甚至有可能一整堂課都改不到我的畫。或是老師好不容易改到我的畫時，顏色調一調(也不知道怎麼調出來的)、紙上畫一畫(不知道是甚麼神奇的魔法)，咻咻咻一張很漂亮的圖就出現了，而如果自己不小心恍神，還會錯過老師改圖的過程，呆呆沉浸在美美作品的震撼中。

第二，老師通常會直接在我畫到一半的畫面上做修改，這也代表他覆蓋掉我的作品。改完後，我會得到一張「老師修過、非常好看的畫」，但實際上…我早就忘記，被老師改之前，完全由我所創造的畫面是長怎樣？沒有對比，就無從檢討跟修正自己錯誤的繪畫方式。

第三，也由於本來的作品已經被老師覆蓋掉，我就沒有機會照著老師的方式，再親手實際的臨摹到自己的畫紙上，除了拿到一張美圖回家跟證明老師真的比我厲害之外，我失去掉讓「手」跟「大腦」都可以同時學習到的機會。

那所以另一個檢討方式：自己改畫，是不是會比較好呢？

自己改畫可以彌補一些老師改畫的缺點，因為我們就有機會可以實際的親手訂正自己的畫面，不被老師覆蓋掉。親手修改真的非常重要，唯有動手再畫一次，我們才有機會鍛練到手部的肌肉，從而形成長期的肌肉記憶，讓你在畫畫時開啟自動導航。

然而，改畫的前提是你能看出自己的畫面有哪裡需要修改?哪邊透視錯誤?是線條不夠流暢?還是光影安排不符現實?或是繪畫技法的問題，如果只是單純的審美疲勞，你可以隔一段時間再來看，但若是其他需要更專業指導的問題，閉門造車的亂塗改，就會淪為沒有效率，更令人挫折滿滿。

有鑑於此，我想到了一個辦法能夠將這兩種檢討方式完美的合併，這也是我今年在線上教學的改良。

線上教學改良：疊圖修改

線上教學不受場地限制，雖然無法親眼看到學生的畫作，但我會請他們將作品拍照給我，之後我會將我修改過的畫、與學生原始的畫使用GIF圖套疊在一起，讓學生能夠一目瞭然，立刻看到我改了哪些地方。此外，我還會再輸出一張改完的靜態圖片，讓學生可以親自臨摹到自己的紙上。透過：

1. 觀察有哪些地方被修改（訓練觀察力）

2. 思考為什麼要這樣改（提升審美）

3. 親自動手臨摹一遍（訓練描繪力）

如此一來，這個檢討畫作的過程可以真正的透過眼、腦、手的聯動，達成一次完整從輸入->思考->輸出的學習循環，也能夠同時鍛鍊到繪畫最基礎重要的三個基本功力：「觀察力、審美力、和描繪力」。

達成【眼睛觀察差異->大腦思考理由->實際動手描繪】的眼腦手完整繪畫練習流程。

所以，在我的課程中我一向非常鼓勵學生，若有時間不能只看我的改圖，務必要親手臨摹一遍，會比單純在旁邊看大師幫你神仙救圖，還要學到更多！

練習繪畫的要點

根據《原子習慣》這本書，只要一天一個小習慣，就會進步。

這也是我在規劃30天畫技提升訓練營時的靈感來源，用一個月的時間，學生們可以透過一天一個不同的微小練習，讓畫技可以在不知不覺中有所提升進步。這到底是怎麼辦到的呢？

我們總共有三個不同主題的營隊，分別是：造型、光影以及色彩。在營隊中，我會用將該主題所需要的所有相關元素、技巧，拆解成最小單位的作業練習，分配到30天當中讓學生實作。以光影訓練營為例子，光影訓練營的目標是畫出具有立體感與合理光影關係的素描畫作，這個目標說得輕鬆，實際上卻包含了許多基本技能，例如：色階漸層、鋪色技巧、光影理論、五大調、投影、光源及質感表現、物體固有色、簡化等等，這些都會影響到你能不能畫出具有立體感，光影關係合不合理的素描。

而在光影訓練營中，我會將這些基本技能，按照難易以及學習的順序安排在30天營隊裡，這樣的安排有兩個好處：首先，因為練習的目標都很微小也具體明確，我可以很快地從每日練習發現學生的盲點或錯誤的繪畫習慣，藉由作業的批改與講解，學生也可以很即時的發現過去錯誤的繪畫方式，而只要能將這些小小的、卻又會影響到畫作的元素改善，畫技當然會有所提升。第二，將這30天的小練習練完，你會發現自己其實也學會了該主題所涵蓋的所有基礎技能，並且藉由每日的實際練習，讓手部肌肉去做輸出，改掉過去只是用輸入的方式（看影片或書）來學習，避免落入手總是跟不上大腦的囧境。

我敢說認真的跟完30天的作業練習，你一定會有所進步！

那我們要怎麼知道自己的畫技有沒有進步呢？

訓練營評估畫技是否進步的方式是在第1天（開始訓練前）與第30天（完整參加完營隊後）畫相同的一幅畫，以這兩張畫作為衡量標準。根據學生的心得，我很肯定每一位學生都在結營時感受到自己的明顯的進步！（千萬不要誤會我們30天都是在畫同一張畫作唷！雖然同樣的畫連續畫30天也會進步，但是未免也太枯燥乏味了吧XD）

用30天前後的對比圖來評估自己的畫技進步，除了讓老師和學生都有統一且明確的前進目標，也能夠讓學生自己「看得見」自己的進步。這對於剛開始學畫的初學者同學來說，可以大大有效的幫助學生去建立起自己對繪畫的自信心。我也鼓勵自學畫畫的朋友，自己在練習時也能參考訓練營的方法，將自己的練習目標拆解成小單位，分析畫作的問題，多和人分享交流，也能一步步找到自己的繪畫盲點。如果還是在畫畫上遇到了一些瓶頸，也歡迎加入訓練營，相信你一定會有很棒的收穫。

繪畫是科學，請用有效的方式來學習他

其實，只要學習相對應的原理，並照著原理去實踐，那你進步的速度，絕對會比單純不動腦、只動手的拷貝臨摹還要快上百倍千倍。

我一直都認為學畫最重要的是學到正確的理論，以及大量的練習，缺一不可。儘管訓練營的成果很漂亮，但這三十天的練習只能算是新理論的「初步實作」，並且給予學畫的信心和動力。但若想要更加熟悉、內化成肌肉記憶還是要靠你們未來長期的練習累積，才會真的變成下意識的反應。

繪畫是科學的，只要有心每個人都能學會畫畫，用有效的方式學習畫畫，可以幫助你更快達到目標！